Vanité - Mort, que me veux-tu ?

A la Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent

La Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent consacre sa 13ème exposition au thème de la Vanité, du XVIIème siècle à nos jours. 'Vanité - Mort, que me veux-tu ?', jusqu'au 19 septembre 2010.

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La Fondation Pierre Bergé —, Yves Saint Laurent consacre sa 13ème exposition dans ses
espaces de l'avenue Marceau au thème de la Vanité dans l'art, du XVIIème siècle à nos jours. Une soixantaine d'oeuvres (peintures, sculptures, photographies) sont
présentées selon deux axes de lecture : la Figure et l'Objet.

Nicolas Régnier : Femme à sa tilette
Cette dichotomie permet d'aborder les thèmes pouvant servir de supports et de miroirs à nos propres méditations : les âges de la vie, la beauté et le dépouillement
pour la Figure , le temps, le plaisir, le pouvoir et les richesses, le vain savoir, les ex-voto
et trophées, la vanité de la peinture pour l'Objet.

Figures de saints et allégories antiques d'artistes des pays latins et compositions d'Objets des Ecoles du Nord sont ainsi mises en regard d'œ,uvres contemporaines et d'une série de Memento Mori provenant de la collection personnelle de Pierre Bergé.

Sont réunies des œ,uvres de C. Gysbrechts, S. Luttichuys, P. Steenwijck, A. Wolffort, G. Cagnacci, Ph. De Champaigne, N. Régnier etc. pour la partie ancienne et d'A. Giacometti, Man Ray, G. Richter, G. Brown, U. Lüthi, R. Mapplethorpe, D. Appelt, A. Serrano, G. Hill etc.

La scénographie permet de cheminer d'un thème à l'autre, en mettant en regard oeuvres anciennes, modernes et contemporaines.

- Commissariat d'exposition : Alain Tapié, conservateur en chef du patrimoine, assisté de Régis Cotentin pour la partie contemporaine

- Scénographie : Agence NC, Nathalie Crinière, assistée de Lauren Fodor

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Propos, par Alain Tapié

Philippe de Champaigne, Vanité, 1646
Le thème de la Vanité appartient au monde des allégories qu'il s'agit d'interpréter, ne
pouvant être comprises directement. Jamais la peinture n'a prétendu définir une
philosophie, cependant, nous pouvons examiner à juste titre ses multiples allégories
comme autant de questions sur l'être. Celles-ci se présentant comme des énigmes en
relation avec l'invisible, elles sont autant de métaphores de l'intériorité spirituelle.

Dès le XVème siècle, les peintres ont eu la charge d'exprimer par l'image le contenu
des méditations religieuses. Penser la mort, réfléchir à la vanité des biens de ce
monde, mettre à l'épreuve la volonté du dépouillement devant l'image séductrice de la
richesse, ce sont là des projets forts pour l'humanité, que l'Église voulait promouvoir.

Pour la diffusion de ces messages, inscrits dans les textes et dans leurs
commentaires, le langage des clercs, habitués à communiquer avec les couches
sociales élevées de la société, ne suffisait plus.

Au XVIIème siècle, l'iconographie qui
faisait allusion au détachement des biens terrestres et à la méditation sur la mort et la
Rédemption s'est fixée dans la formule d'un genre de peinture qui a pris le nom de
Vanité à la suite d'une citation du texte de l'Ecclésiaste, très souvent représentée sur
un phylactère, à côté d'un crâne : Vanitas Vanitatum omnia est Vanitas (Vanité des
Vanités, tout est Vanité).

Ecoles du nord de l'Europe

Les écoles du nord de l'Europe, dans leur intérêt pour l'anatomie et la nature, ont mis à
la mode ces représentations destinées à la commande bourgeoise et privée. La
méditation philosophique et religieuse prenait une forme personnelle et solitaire, loin
des fastes de l'Église. Dans le même temps, la représentation d'objets quotidiens
favorisait l'expression des connaissances picturales les plus raffinées, dont la vérité
plastique s'alliait aux sentiments très humains de la vanité : la richesse du savoir
peindre se vouait aux objets les plus fugaces, les plus éphémères du monde ici-bas,
associant le crâne aux symboles des biens de ce monde.

Méditation

La vanité dans la peinture est tour à tour une méditation, une expression fascinée et
obsessionnelle de la beauté naturelle, un art d'agencer les formes et les objets, une
technique sublime. Ces caractères justifient à eux seuls la faveur dont a bénéficié ce thème au XVIIème siècle. L'histoire de l'art a donné à cet engouement la dimension
d'un genre, repris invariablement par les artistes modernes et contemporains. Exposer
en regard des Vanités des XVIème et XVIIème siècles des oeuvres des XXe et XXIe
siècles est ainsi une manière d'interroger le lien substantiel entre l'oeuvre d'art et son
amateur, et par là même la valeur d'usage d'une image.

La Figure et l'Objet

Notre projet vise à restituer toute la richesse d'une démarche qui associe savamment
la pensée religieuse, la représentation de la nature, l'expression des sens et des
plaisirs. Nous voudrions, pour traiter ce sujet, retrouver l'ampleur du thème dans ses
origines spirituelles et son devenir plastique, bien au-delà de ce que l'histoire de l'art en
a retenu. En effet les méditations sur les vanités du monde recouvrent un large
ensemble de représentations dont les lignes de force sont l'exposé malin et
provocateur des richesses et des biens terrestres, de la sensualité, des plaisirs et du
jeu face au nécessaire dépouillement et à l'acceptation spirituelle de la destinée.

Dans l'ampleur d'une interrogation qui ouvre la voie de la mort vers la résurrection ou
de la mort vers le vide, les artistes posent la question suivant le penchant de leur
sensibilité spirituelle, construisant le propos soit à partir de la Figure soit à partir de
l'Objet, ce qui opère une division des genres plus ancienne et surtout plus
fondamentale que celle proposée par l'Académie, et qui recouvre tout son sens dans
l'art contemporain qui s'emploie régulièrement à proposer une nouvelle interprétation
du thème classique. Le thème de la Figure se décline selon les âges de la vie, la
beauté et le dépouillement, et celui de l'Objet selon le temps, le plaisir, le pouvoir, la
richesse, l'ex-voto, le trophée, le vain savoir et la Vanité de la peinture.

Dans les milieux dominés par la tradition antique et humaniste que revendique la
Contre-réforme, le nécessaire abandon des biens et sollicitudes terrestres se manifeste
par la figure des saints exemplaires, à demi nus dans leur retraite, saisis dans leur
désir de la Rédemption mais encore habités de leurs tourments passionnels. On
reconnaît là la peinture baroque italienne, flamande et ses influences sur l'art français
et espagnol. En face, les écoles du Nord soumises au pragmatisme de la Réforme, et
dont les leçons se propagent dans les milieux parisien, espagnol, lombard et
napolitain, choisissent d'exalter la vérité anatomique des objets, créés par l'homme,
afin de stigmatiser la Vanité de leur possession. Leurs compositions se présentent
comme un amoncellement de vains trophées au milieu desquels la figure de l'homme
est absente même si le symbole du crâne rappelle, dans une ambiguïté volontaire, la
fragilité de l'existence humaine et l'espoir de la Rédemption par le sacrifice du Christ.

Le miroir de la vanité

La Vanité est un miroir dont le reflet ne proposerait pas de voir notre image
superficielle mais au contraire ignorerait celle-ci, la transpercerait pour y déceler ce qui
nous constitue en soi. Dans le cadre de l'exposition, notre interprétation de la Vanité
aboutit à reconsidérer l'origine de l'image sous l'angle de la question de l'être, du XVIIe
siècle à aujourd'hui avec les peintures de C. Gysbrechts, S. Luttichuys, P. Steenwijck,
J. de Valdes Leal, A. Wolffort, G. Cagnacci, L. Miradori, Ph. De Champaigne, S.
Bonnecroy, N. Régnier, M. de Boullongne pour la partie ancienne et les oeuvres d'A.
Giacometti, Man Ray, G. Richter, G. Brown, U. Lüthi, R. Mapplethorpe, D. Michals, D.
Appelt, J.P. Witkin, A. Serrano et G. Hill pour le contemporain.

Conclusion

Le thème de la vanité recouvre ainsi un ensemble riche, vaste et complexe de
représentations susceptibles d'inciter les non-croyants à la méditation. Elles révèlent
les obsessions contradictoires que les peintres ont eues la charge de traduire pour
eux-mêmes et pour les autres, afin d'évoquer le passage de la jouissance vers la
Rédemption. Cette spiritualité des Vanités procède de toute la peinture et se décline
dans tous les arts et sous tous les genres, même dans les cas athéologiques de l'art
contemporain. Elle est consubstantielle à l'appréciation d'une oeuvre en profondeur. La
Vanité emporte avec elle la totalité des questions esthétiques et au bout du compte
toute la philosophie de l'image.

Il ne s'agit pas ici d'exposer une pensée pure de la mort mais de montrer le passage
de l'humain au divin, du corps à l'esprit. La vie est désormais vue comme un moment
de la chaîne temporelle : on doit mourir pour ressusciter, vivre et pêcher pour être
racheté. Les artistes présentés ont pour cela puisé dans les images emblématiques
des textes sacrés, dans les récits hagiographiques, dans la littérature profane ou bien
encore, dans les exemples de l'histoire la plus récente, sans omettre de participer à
cette exégèse par leurs inventions plastiques.

Biographies

Commissaire Alain Tapié, conservateur en chef du patrimoine, assisté de Régis
Cotentin plasticien, historien d'art, chargé de programmation d'art contemporain.

Alain Tapié

Alain Tapié est titulaire d'un doctorat d'histoire de l'art et d'une licence d'études
hispaniques. Il débute sa carrière à l'Inspection Générale des Musées de la Direction
des Musées de France, où il est chargé de la conception et de l'organisation de la
formation permanente des conservateurs de province. Nommé en 1984 Conservateur
et Directeur du musée des Beaux-Arts de Caen, poste qu'il occupera jusqu'en 2003, il
est en parallèle chargé d'enseignement en muséologie à l'Ecole du Louvre et
professeur invité à l'UFR d'Histoire de l'Université de Caen. Il obtient en 1993 le titre de
Conservateur en chef du Patrimoine. C'est en 2003 qu'il est nommé Directeur du Palais
des Beaux-Arts de Lille et de l'Hospice Comtesse, poste qu'il occupe encore
aujourd'hui.

Alain Tapié a déjà assuré le commissariat d'une exposition de référence sur le thème
des Vanités, organisée au Musée des Beaux-Arts de Caen en 1990, et l'auteur de
l'ouvrage publié à cette occasion aux éditions Albin Michel : Les Vanités dans la
peinture au XVIIe siècle : méditation sur la richesse, le dénuement et la rédemption. Il a
en outre publié des ouvrages sur des sujets aussi divers que l'Impressionnisme et la
Normandie, les Maniéristes du Nord, la Symbolique et botanique dans la peinture au
XVIIème siècle ou encore le Baroque et les Jésuites.

Régis Cotentin

En tant que plasticien, Régis Cotentin réalise des films et des installations. Ses
productions font partie de la collection Nouveaux médias du Centre Georges
Pompidou. A titre professionnel, il est chargé de la programmation contemporaine du
Palais des Beaux-Arts de Lille. Commissaire d'exposition, il s'est consacré à la
première exposition d'art numérique La Volupté Numérique (2005) au musée de Lille,
puis a réalisé en association avec Cordélia Hattori, responsable du Cabinet des
dessins, Goya et les Caprices Contemporains (2008), Miroirs d'Orients (2009) sur
l'interprétation actuelle de l'Orientalisme et E.Motion Graphique (2009) à propos des
correspondances artistiques entre le dessin ancien et l'animation contemporaine. En
collaboration avec Alain Tapié, il s'est occupé d'une exposition parallèle sur la force esthétique et spirituelle du Pli et de l'Absolu de la Couleur dans l'art contemporain au
sein de la rétrospective du peintre Philippe de Champaigne, entre politique et dévotion
(2007) et de la proposition contemporaine Rose Boréal (la jeune photographie
finlandaise) - Per Kirkeby - Olav Christopher Jenssen de l'exposition Echappées
Nordiques, les maîtres scandinaves et finlandais en France (1870 —, 1914), réalisée par
Annie de Wambrechies. Il s'est engagé aussi dans le commissariat scientifique de
L'Homme Paysage (2006) sur les paysages anthropomorphiques du XVIe au XXe
siècle, et dans la mise en scène par Alain Fleischer de La Jérusalem délivrée (2010)
du peintre baroque italien Paolo Finoglio.

Nathalie Crinière, scénographe

Nathalie Crinière est diplômée de l'école Boulle en Architecture intérieure et de l'école
Nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris en design industriel. Après avoir
étudié à La Georgia Tech institute of technology d'Atlanta en Géorgie, elle passe
ensuite un an à Barcelone en Espagne dans l'agence de Pepe Cortes, architecte
d'intérieur.
De retour à Paris, après un passage dans différentes agences, elle exerce d'abord en
indépendant avant de monter sa SARL : l'agence NC Nathalie Crinière. Le choix de
l'agence est avant tout celui de la pluridisciplinarité, alliant la scénographie à
l'architecture intérieure.
Remarquée pour son travail exemplaire sur l'exposition Jean Cocteau au Centre
Pompidou - Musée national d'Art Moderne en 2003, elle a réalisé plusieurs expositions
à la Fondation Pierre Bergé —, Yves Saint Laurent, ainsi que la scénographie des objets
exposés à l'occasion de la vente aux enchères par Christie's au Grand Palais en février
2009. Elle a également réalisé la scénographie de la grande rétrospective Yves Saint
Laurent présentée au Petit Palais de mars à août 2010, et travaille actuellement sur la
muséographie des espaces de présentation de la collection permanente du Louvre
Abou Dabi.

Par Nicole Salez